Vaste mise à jour très largement actualisée sur le site de la galerie www.nadjavilenne.com
Une actualisation des oeuvres disponibles, une ergonomie légèrement affinée, de nombreux nouveaux textes, de nouvelles pages concernant certains projets spécifiques des artistes.
Bonne visite !
Par Jean-Michel Botquin,
dimanche 4 mai 2008 à 17:56 ::Auditorium
La toile, on le sait, regorge de ressources diverses. Nous rassemblons ici quelques documents audio-visuels qui concernent les travaux de Suchan Kinoshita. D’une part, une conférence donnée par l’artiste dans le cadre du projet européen « Preservation and Presentation of Installation Art » . D’autres part, des documents relatifs à l’installation réalisée voici presque un an à Münster pour le Skulptur Projekte 07. Enfin un court film réalisé à l’occasion de l’exposition « Das fragment aan Sich », produite par l’Ikon Gallery à Birmingham. Autant de sources d’information.
Un programme européen, « Inside Installations », porte depuis 2004 sur la gestion, la conservation, la monstration de diverses œuvres et installation conservées dans de grandes institutions muséales. Comment faut-il documenter ces œuvres, les préserver, archiver leurs installations successives, autant de questions souvent cruciales alors que certaines installations sont d’une grande complexité.
Deux œuvres de Suchan Kinositha, « Untitled » (2000), conservée par le Bonnefantenmuseum de Maastricht et « Voorstelling » (1997) acquise par le SMAK ont ainsi fait l’objet d’un scanner complet avec la collaboration de l’artiste.
Le site « inside installations » relate ce travail mené par les équipes des deux musées et présente les deux installations en question :
Voorstelling (1997)
Created by Suchan Kinoshita in 1997, Voorstelling is an installation incorporating performance and time-based media (both audio, video and dia). The work was purchased by S.M.A.K. in 1998 and displayed for the first time in the exhibition “De Opening” in 1999, on the occasion of the museum’s opening. Recently, the museum once again exhibited the installation (Nov. 2005 – Jan. 2006) as a presentation (and case study) of the international research project “Inside Installations – Culture 2000”. Voorstelling is an installation composed of a complex space, numerous objects, time-based media and a performance. All these elements make the artwork complex. Its exhibition requires a suitable space and sufficient time. This work displays a cabin structure (of variable size) in which the objects are placed and the action is performed. The performance’s time sequence and procedure need to be carefully worked out in advance and its rendition demands a specific documentation.
Untitled (2000)
The Bonnefantenmuseum has three works – installations – by Suchan Kinoshita in its collection. Untitled, 2000, consists of a ‘Japanese house’ with four rooms, with a total floor space of 3.71 x 9.15 metres. The floorboards are made of pallets, which are visible in one room, covered with wood in two rooms and carpeted with artificial grass in the fourth room.
The outside is constructed completely from traditional Japanese sliding doors, covered with Shoji rice paper. Each room has a specific set-up and two rooms are accessible to the public. Sound plays an important role in this work, and there are four separate sound elements. The ‘house’ is hidden from view by a wall constructed of styrofoam sheets kept in balance with polyurethane foam and wooden skewers.
Au terme de ce travail d’investigation, Suchan Kinoshita a donné une conference dont l’on reverra de larges extraits ici :
Abstract of lecture:
Suchan will discuss her work with particular reference to the ‘Untitled’, 2000 (originally installed in a Japanese Gallery). This installation is bought by the Bonnefanten Museum and will be in exhibition. She describes her intent or the meaning of several elements of the installation and illustrates her story by showing many slides of different parts. Photographs of both the Japanese and the Maastricht situation are shown. She describes the process of re-locating as well as the necessity of making alterations. These decisions are related to the new location, a part of which is the different culture and public.
source : Inside installations.com
Chinese Whispers
Il y a presqu’un an, pour le Skulptur Projekte de Münster, Suchan Kinoshita concevait une étonnante sculpture sonore, conçue comme une sorte de de téléphone arabe, une rumeur qui se propage, bourrée de quiproquos, chuchotée dans un petit espace fermé, une devanture à l’angle d’une maison. Les stores de la vitrine s’ouvrent et se ferment au fil des chuchotements, confondant ainsi espace privé et espace public :
Between me and you is the “and” – it is spoken language that connects people to one other. And it is also words that separate them – if the “and,” for instance, were suddenly to disappear. “Chinese whispers,” known in German as “Stille Post” and in French as “téléphone arabe,” is a kindergarten game that illustrates our dependence on language more clearly than any linguistic theory. One person secretly whispers something into his neighbor’s ear, and he conveys what he has understood to the next person, and so on until – at the end of a long row of people – the last person hears something that, thanks to misunderstandings and misinterpretations, no longer resembles the original message.
In her project for skulptur projekte münster 07, Suchan Kinoshita re-enacts this childhood game, selecting sentences from illustrated magazines or writings of various philosophers and language theorists as well as asking speakers commissioned by her to invent their own sentences,. Other participants include so-called “disrupters,” who deliberately alter the phrases by translating them into other languages. With sensitive recording techniques, Kinoshita eavesdrops on these “Chinese whispers,” powerfully illustrating how the spoken word is subject to continuous change. In the Münster Chamber of Commerce, visitors can hear the resulting sound loop twenty-four hours a day without interruption. The large window in the showroom provides a full view of the street outside, which will almost automatically become the focus of the listener’s gaze. But standing in this open space, his ears entranced by “Chinese whispers,” he will have the chance to reflect on Wilhelm von Humboldt’s assertion that there is no escape from the circle drawn around us by our language.
Pour Graham Coulter-Smith (Art Intelligence), c’était là une des œuvres les plus singulières de cette édition du Skulptur Projekte :
Suchan Kinoshita’s sound installation was one of the most impressive pieces in the Munster Sculpture Project 07. One can quibble about whether it is actually sculpture, but what is more interesting is that as sculptural installation art gradually leaves the limelight, aesthetic uses of technology (in this case three-dimensional sound) move towards centre stage as the most significant contributors to contemporary artistic production. The installation was in a building in the inner city and one had to use the little map provided plus some mercifully helpful signs that directed the visitor to the work, which like many in Munster, was not that easy to find (there very very few such helpful signs). The room was white and covered floor walls and ceiling in acoustic tiles. Speakers were mounted on the walls and voices spoke in whispers from one speaker to another. The concept Kinoshita used was simple, simple ideas are consistently most effective aesthetically and this installation is no exception. One sat in the room looking at the blank white walls or out of a large double glazed picture window with a venetian blind that showed the street outside, and one listened as an initial sentence whispered in German from the speakers and translated via headphones was gradually mutated via its passage from one speaker to another. At the end of the poetic performance an electric motor is activated that slowly closes the venetian blinds shutting out the city that the work is apparently concerned with.
L’auteur a stocké sur You Tube une courte sequence video qui rend compte de "Chinese Whispers" Il est évidemment très difficile de conserver via l’enregistrement video l’extraordinaire presence physique de cette sculpture sonore, perçue à la fois dans l’espace de la pièce et au travers des casques audio fournis aux visiteurs. Néanmoins, cette courte sequence permet de se faire une idée.
Das fragment an sich (The fragment in itself) - Ikon gallery
Enfin, fin 2006, Suchan Kinoshita exposait à l’Ikon Gallery, centre d’art contemporain de Birmingham en Grande-Bretagne. Une exposition titrée : Das fragment an sich (The fragment in itself)
This exhibition by Suchan Kinoshita included a wide selection of works, ranging from early pieces to new commissions. Characteristically engaging, psychologically dramatic in some respects, it asserted continuity between art and our personal lives.
Translated as ‘the fragment in itself’, the title was taken from one of the key pieces in the exhibition. Based on a snippet of music by German philosopher Friedrich Nietzsche, it involved the ‘preparation’ of a piano, whereby all the keys corresponding to notes that don’t occur in the composition were removed. The superfluous mechanical bits of the instrument were strewn around it on the floor, whilst the sheet music and an empty piano stool invited the viewer to play obviously only one piece. On one hand, the idea conveyed was that a fragment, part of a bigger whole, is sufficient and not to be the point of departure for some desired reconstruction; and on the other, the message was that a fragment is all there is.
Kinoshita subscribes to a kind of existentialism. It is most evident perhaps in her installations of rooms inside the gallery spaces. Usually makeshift, they contained furniture, DIY contraptions, video, interactive devices and other objects that were fragments (in themselves), subject to the imaginative projection of the viewer. These were places where conventional order is at once suggested and undermined. Le Depot des Mots was an area for models and sketches, objects resting in between times of usefulness and It must have been Thursday afternoon presentsed a suite of interview rooms, where a radio play could be heard through three different spaces.
Sur myspace.TV, Natalia Morris a archivé un court documentaire réalisé durant le processus d’installation de l’exposition. On y retrouve l’installation du “Dépot de mots, Partituur” que Suchan Kinoshita créa au Ravenstein, les Isofollies ou Das Fragment an sich, oeuvres montrées à la galerie.
La photographie n’est pas dans l’exposition, mais Jan Hoet s’y réfère la considérant comme emblématique : voilà donc au Café Voltaire, à Zürich, en 1919, Hugo Ball affublé de son accoutrement de carton rigide et argenté figurant un phallus en érection en pleine performance, grand destructeur du langage, créateur d’une autre langue non corrompue, inventeur de la poésie sonore et onomatopique qu’il scande et crie, sorte de jeu (de) fou dans le vide. Absurde, direz-vous ? C’est la thématique choisie pour cette vaste exposition organisée par le Marta à Herford : Ad absurdum, ou la manifestation de l’absurde, du modernisme jusqu’à nos jours.
Et l’exposition pose de fondamentales questions au travers de multiples propositions : alternative à la raison, comment l’absurde peut-il jouer un rôle important dans notre faculté de juger, de juger différemment. Comment négocions-nous avec les limites de nos capacités de compréhension ? Si un objet nous apparaît comme absurde, allons-nous a priori l’assigner à une catégorie sans valeur ? Ou allons-nous tenter d’appréhender le sens et le non sens au-delà de ce qui est normalement compréhensible ? L’absurde nous offre peut-être la possibilité d’une expérience transgressive permettant de mieux évaluer « la normalité ».
Pour l’exposition, Honoré d’O a conçu une vaste installation, un « mur » de ce qu’il nomme ses dessins ponctués de plusieurs travaux vidéos. Comme une syntaxe poétique, un langage à part entière, qui prolifère dans l’architecture de cette « rue publique ». On en découvrira une (petite) partie ici.
Luk Lambrecht le rappelait récemment à propos de l’exposition que lui consacre le BKSM à Strombeek Bever et Mechelen : les œuvres de Walter Swennen s’inscrivent dans le champ d’une liberté visuelle complète, cette liberté que l’artiste saisit pleinement pour peindre au sujet de quoi que ce soit et sans souci d’hiérarchie. Ainsi cette toile récente, « Véronica », représentation d’une femme qui étend son linge sur les cordes d’un séchoir de jardin ; des draps de toutes les couleurs et de toutes dimensions. Un tableau ordinaire, en quelque sorte.
Est-ce le titre du tableau qui a inspiré Olivier Foulon ? Peut-être. Cette dame qui étend son linge ne porte en effet pas n’importe quel prénom : Véronique, patronne des lingères. Son voile est célèbre, « vera icona », image vraie, mystère de la figure et de son apparition.
Contribution à une exposition organisée par Susanne Prinz pour :Emyt à Berlin, Olivier Foulon a proposé à Walter Swennen de se projeter dans sa peinture, ou plutôt de projeter des diapositives sur le fond clair du tableau, dès lors voile, toile, écran. Il est vrai qu’au carrousel de diapositives correspond le sèche linge, ce manège de jardin sur lequel semblent tournicoter ces carreaux de draps colorés. La métaphore ouvre déjà d’autres perspectives, et sachant que les préoccupations d’Olivier Foulon tiennent entre autres de la lecture des images, de leur reproduction et de l’histoire de l’art, le tableau s’enrichit de sens.
Voici donc le « Souffleur ou L’homme assis (dans le carré de) la peinture », titre de cette projection de quarante diapositives, qui souffle l’esprit de la peinture tandis que le vent souffle dans les draps de cuisine du tableau. Et le souffleur s’installe dans le « carré de la peinture », non seulement parce que le tableau est quadragulaire, comme le sont la plupart des linges qui sèchent sur les cordes (hormis quelques petites culottes), mais aussi parce que le fond du tableau est constitué de carrés, ce jeu d’équilibre au bord de la matière, là où l’abstrait et la figuration se rencontrent dans une totale absence de perspective qui ne manque pas de profondeur. Plus précisément, le souffleur s’assoit dans le carré de la peinture, ou dans le carré de peinture, situé en bas et à droite du tableau.
De carrés, de carreaux, il sera dès lors bien évidemment question dans la suite de diapositives projetées sur le tableau, des images subtilement sélectionnées et qu’Olivier Foulon, tout en chaînant cette suite de reproductions à ses travaux précédents, choisit autant pour leurs qualités intrinsèques que pour le sens, parfois sous-jacent, qu’elles ont les unes par rapport aux autres, ou en l’occurrence, par rapport au tableau de Swennen, ou encore en fonction de ses propres affinités, déroutant parfois le spectateur mais le ramenant toujours au centre du carré de la peinture. Défilent donc le Carré Noir sur Fond Blanc de Malevitch, celui peint sur un tableau-socle de plâtre, les restaurateurs de celui-ci, Malevitch lui-même dans un champs, ou la tombe de l’artiste constituée du simple carré noir sur fond blanc de l’Absence, la porte de son studio ou une étudiante de l’artiste, assise sous un tableau quadrangulaire. Défilent de la même manière les toiles monochromatiques de Blinky Palermo dont on connaît le sophistiqué sens de l’humour, les études pour « To the people of New-york », ses derniers travaux (1976-77), des clichés de son studio, photographié par Imi Knoebel, lui aussi héritier de l’enseignement de Düsseldorf tout comme d’ailleurs du formalisme spirituel de Kazimir Malevitch. S’enchaînent les carreaux de couleurs du pourpoint de l’Arlequin de Picasso, les chartes de couleurs de Goethe et de Gournes, mais au même titre que Samuel Bekket buvant un soda, Thomas Bernhard roulant à vélo dans son château, René Daniels jetant des toiles dans un conteneur chez lui à Eindhoven, Kurt Schwitters en barque ou, magnifique cliché, peignant en plein air sous un parapluie face à une chaîne de montagnes enneigées. Il y a même Buster Keaton accompagné de Brouwn Eyes, la jeune vachette qui se prend d’amitié pour lui dans le film « Go West ». Il y a là aussi un simple carton publicitaire pour l’eau minérale San Pelegrino, mais annoté de cette question : Wast ist aura ? par Walter Benjamin, lui-même. Olivier Foulon s’empare une fois encore des stratégies broodtharciennes : cette projection est comme une fiction qui permet de saisir la réalité et en même temps ce qu’elle cache. Marcel Boodthaers est d’ailleurs bien présent avec « Amuser, Le plus beau tableau de monde », ce qui nous rappelle que Walter Swennen entretient d’étroits rapports entre le texte, le graphe, l’aphorisme, l’image et la peinture, comme avec Marcel Broodthaers. Olivier Foulon fait là un clin d’œil à ses aînés, de même lorsqu’il glisse une « Totenkopf », une tête de mort de Cézanne, un sujet qui parcourt les toiles et dessins de Swennen depuis longtemps.
Le « Souffleur » enfin, ce sont deux reproductions de peintures de Foulon lui-même, deux simples… carrés colorés posés chacun sur une page blanche. Ce carré de couleur, c’est le trou du souffleur.
Par Jean-Michel Botquin,
samedi 26 avril 2008 à 19:40 ::Des idées
Entendu ce matin sur les ondes de la RTBF, le billet de Juan d'Oultremont, au cours de l'émission "La Semaine Infernale" qui reçoit cette semaine pour le "jeu des Dictionnaires" Laurent Busine, directeur du Mac's. Ce texte a été publié sur le site du quotidien "La Libre Belgique"
"Moi je dis : la plus grande atteinte contre les droits de l'homme, ce n'est pas l'invasion du Tibet, mais cette espèce de bricolage pompeux et inepte avec lequel la Belgique va se ridiculiser une fois de plus."
L'heure de ma vengeance a enfin sonné. Pour la première fois en vingt ans, cette émission accueille enfin un homme de l'art. Qui plus est (et malgré l'exposition dont il vient nous parler), un homme de l'art d'aujourd'hui. Parmi les invités qui se sont succédés à ce micro, Virginie nous a imposé la présence de 498 chanteurs de variété de la Communauté Wallonie-Bruxelles, Fred a insisté pour faire venir 173 dessinateurs de bande dessinée de l'école de Marcinelle, sans compter les 18 restaurateurs ardennais spécialisés dans les menus de chasse dont Raoul a exigé l'invitation...
Depuis 13 ans que je participe à cette émission, on m'a imposé la présence de collectionneuse de moules à chocolat, de proctologues, de handicapés, de directeur de théâtre avec des grosses voix, de pianistes allemands autistes et tout cela en me disant "sois patient, ton heure viendra, un jour, c'est promis, on parlera d'art dans cette émission !". Et voilà que grâce à Laurent Busine, cette heure est enfin arrivée. Je vous jure qu'ils vont en baver. Je vais monopoliser le crachoir ! Toute la semaine, Busine et moi, on va échanger le souvenir d'expositions qui nous ont scotchés et qu'ils n'ont bien sûr pas été voir : "Les Machines célibataires" montée par Harald Szeemann. "Les magiciens de la terre" ou la récente rétrospective McCarthy au Smak... La vache ! J'ai toujours essayé d'être bon camarade, mais là, Ils vont en pleurer des larmes de sang !
On va faire référence à des lieux dont ils ne soupçonnent même pas l'existence : le PBS22, le Wiels, le Mukha, la fondation Beyeler, le Palais de Tokyo, Schaulager... Ils vont nous prendre pour des martiens. Sans la moindre pitié, on va leur asséner le nom des artistes belges dont on adore le travail et dont ils ne connaissent même pas la prononciation exacte : Marcel Berlanger, Ann Veronica Janssens, Honoré d'O, Emilio Loppez-Menchero, Michel François, Simona Denicolai et Yvo Provoost... Parce que c'est vrai, au fond, c'est marrant un pays où le premier collectionneur de timbres Valois venu connaît le nom d'au moins huit joueurs de foot et autant d'artisans chocolatiers, et pas celui d'un seul artiste vivant. Je vais donc pouvoir sortir un instant de mon apnée. Reprendre la bouffée d'oxygène qui me permettra de replonger pour treize années de plus dans le monde fascinant des miss Belgique et des joueurs de boogie-woogie.
Durant l'entracte, la queue entre les jambes, ils viendront vers nous en demandant si on peut quand même un peu parler aussi de Lou Deprijck et de Plastic Bertrand... Et si l'un d'entre eux, pour faire son intéressant, évoque la performance de cet artiste nicaraguayen qui fait mourir de faim un malheureux clébard, on lui casse ses lunettes. Parce que c'est énervant de n'entendre parler certains d'art contemporain qu'à l'occasion de faits divers aussi crétins. Que ce soit clair pour toutes et tous, faire crever un chien dans une galerie, ce n'est pas plus de l'art que les horreurs qu'Olivier Strebelle tente de fourguer, au frais du contribuable, à ses malheureux chinois. Moi je dis : la plus grande atteinte contre les droits de l'homme, ce n'est pas l'invasion du Tibet, mais cette espèce de bricolage pompeux et inepte avec lequel la Belgique va se ridiculiser une fois de plus. Encore que c'est comme pour le démantèlement des bateaux plein d'amiante : chaque sculpture de Strebelle qu'on réussit à placer en Chine, c'est une de moins qui viendra polluer nos espaces urbains. Et oui, je le reconnais, l'art est, avec le sexe, la seule chose qui m'intéresse. C'est mon assuétude à moi. L'échelle de (Gerhard) Richter avec laquelle j'évalue les convulsions du monde. C'est ma dope, mon yoga. La seule façon que j'ai trouvée d'être parfois mort mais jamais fatigué ! Laurent Busine, mon sauveur, merci d'être là ! Merci de leur expliquer à ces brutes épaisses que chez nous, l'art ne se limite pas aux sculptures de Delphine Boël. Expliquez-leur que, même à Charleroi, un commissaire d'exposition, ça n'a rien à voir avec la guerre des polices. Que la proximité d'une photo de Cindy Sherman, d'une performance de Francis Alys ou d'une installation de Mike Kelley, c'est une expérience qui n'a pas d'équivalent. Que l'art, ça rend curieux, mobile, vif et surtout moins con. Euh, sur ce dernier point, je ne suis pas sur d'avoir été très convaincant... Mais là, maintenant que c'est sorti, je me sens déjà mieux !
Les (s)extractions de Juan d'Oultermont
Depuis le début du mois de mars 2007,
Cissiste International & Juan d’Oultremont
place chaque semaine une des quatre éditions d’un dessin érotique
dans un lieu culturel,
laissant la possibilité à qui veut
de l’emporter
Celui-ci a été placé sur le stand de la galerie à Art Brussels, lors du vernissage, le jeudi 17 avril à 19h45
Le Workshop organisé autour de l’œuvre de Jacques Lizène par la section Vidéographie de l’Académie des Beaux-Arts de Liège trouve son aboutissement ce week-end. Une exposition éclair clôture l’initiative lancée voici quelques mois par Guy Yungblutt, Dominique Castronovo et toute l’équipe de l’atelier vidéographique. Elle regroupe bien évidemment les travaux des étudiants, un large partage de cimaise, invitation faite à une kyrielle d’artistes qui participent ainsi à l’accrochage et quelques œuvres du petit-maître, dont une monumentale bordure de cimaises constituée de sculptures génétiques nulles, en l’occurrence une série de chaises génétiques.
Pour l’occasion, Guy Yungblutt, animateur de la galerie Yellow au début des années 70, a sorti de ses collections quelques très belles contributions lizéniennes à l’art de la médiocrité. On retiendra, entre autres :
- Les multiples projets de circuits fermés de télévision imaginés en 1971.
- Une sérigraphie éditée par la galerie Yellow en 1970, titrée « Vasectomie, sculpture interne » et sur laquelle on peut lire, en français et en anglais le texte suivant :
« D’une manière générale les choses étant ce qu’elles sont, Jacques Lizène ne procréera pas. Hopla ! Il subira volontairement la vasectomie (stérilisation par coupure des canaux déférents). Dès ce moment il portera en lui « une sculpture interne ».
- Une fort médiocre « tentative de cadrage d’une nature morte./Echec » également de 1970. L’artiste tente de projeter l’ombre d’une nature morte, une partie de table, une partie de chaise et une petite plante sur une toile tendue sur un châssis volontairement voilé. Il tente ensuite de la peindre ensuite en noir et jaune. Une toile qui participe d’un cycle où l’artiste prend position pour la facilité, pour la banalité, ou pour un certain inintérêt des projets, ce qu’il estime finalement fort bien.
Non, un accrochage de foire n’est pas singulièrement qu’une suite d’œuvres accrochées les unes à côté des autres, sorte de catalogue à échelle réelle d’œuvres disponibles à l’acquisition. Il peut aussi être conçu par les artistes eux-mêmes, fruit d’interactions, de lectures mutuelles des œuvres, de dialogues. Ainsi la cimaise frontale du stand de la galerie pour Art Brussels en est un bel exemple.
Au centre, la superposition de deux œuvres : lors d’ une toute récente exposition à Berlin conçue par Susanne Prinz pour :Emyt, Olivier Foulon a proposé à Walter Swennen de projeter une suite de diapositives sur son tableau exposé. Voici donc "le souffleur ou l'homme assis dans (le carré de) la peinture" projeté sur “Véronica”, subtile lecture, resonance de l’oeuvre elle-même comme de l’histoire de la peinture, de la figure. Nous reviendrons sur cette collaboration dans un billet spécifique.
Honoré d’O, quant à lui, dessine dans l’espace, ou plutôt dessine l’espace à l’aide de ces gaines électriques qui constituent le matériau d’un long dessin continu parcourant son œuvre depuis de nombreuses années. Et Honoré d’O le conçoit ici comme un phrasé, une interaction de plusieurs dessins. À droite, deux grosses pelotes de tubes flexibles étroitement colsonnés ouvrent l’espace sur la série des « Boeing Over » d’Aglaia Konrad. Vers la gauche, les flèches arque boutées au mur ferment et enveloppent l’espace qu’occupe la « Véronica » de Swennen. Ces dessins d’Honoré d’O sont le fruit d’expériences singulières, de petites choses de la vie. Ainsi il ponctue le coin supérieur gauche de la cimaise d’une ove en gaine jaune : c’est l’oreille de l’art, glisse finement Honoré d’O. Une oreille en coin. Une oreille qui surplombe les petites pendules de Suchan Kinoshita, oscillations du temps, des temps qui passent. Comme si l’oreille se tendait à l’imperceptible tic-tac du temps en mouvement. Et ce mouvement du temps, du temps de l’art, rythme le carrousel de diapositives d’Olivier Foulon. La boucle… est bouclée.
Deux expositions à noter à l'agenda liégeois. D'une part, à l'Académie des Beaux-Arts, les suites et traces médiocres ou non du workshop mené par les étudiants en vidéographie avec Jacques Lizène (vernissage ce vendredi 25 avril). De l'autre, l'invitation faite à Laurent Dupont-Garitte par l'Espace Flux, asbl. (vernissage ce jeudi 24 avril à 19h)
La revue littéraire DW B braque les projecteurs sur l’expo de Factory #3 : l’artiste Sylvie Macias Diaz et la poétesse Elma van Haren joignent leurs forces visuelles et littéraires pour une confrontation avec l’œuvre de Honoré d’O. Atte Jongstra et Jeroen Olyslaegers font remonter des profondeurs de la littérature des commentaires sur ce projet transdisciplinaire. A la demande d'Honoré d'O , le danseur et chorégraphe français Jean Luc Ducourt fera une performance dans l'espace de Passa Porta, maison internationale des littératures à Bruxelles.
Vernissage et performance le mardi 22 avril à 20h. Passa Porta, Rue Antoine Dansaert, 46, 1000 Bruxelles
Nous évoquions, il y a quelques temps les « Boeing Over » d’Aglaia Konrad dont une magistrale série a été sélectionnée par Denis Gielen pour l’exposition « Le Soigneur de Gravité », encore à voir actuellement au Musée des Arts Contemporains du Grand Hornu. Ces photographies aériennes, très simplement prises au travers du hublot d’un avion de ligne sont d’une fascinante attraction, une sorte d’abstraction du réel, affirmant la réalité du paysage qui file sous les ailes de l’avion, dès le moment où cette réalité devient indiscernable. « Le vrai critère des « Boeing Over » écrivait Willem Oorebeek est justement qu’on ne puisse plus déterminer l’origine topographique de ce que nous découvrons ». Dans le quotidien le Soir, Jean Marie Wynants écrivait pour sa part : « Aglaia Konrad réinvente ainsi le monde, par la seule force de son regard ».
Depuis de nombreuses années, Aglaia Konrad sillonne le monde. L’image, le plus souvent urbaine, est délibérement pauvre, économe. Elle n’a pas de support précis, pas de surface fixe, ne se revendique d’aucun des canons de l’acte photographique tel qu’habituellement codifié. Son œuvre est un vaste corpus interrogeant la ville, ses signes, sa modernité. L’image peut être argentique ou simple scan à jet d’encre, photocopie numérique, projection de diapositive, épreuve négative, etc. La valorisation critique de l’image intervient en son utilisation ponctuelle, contextuelle, comme une scénographie au sens où l’entendait Vitruve. L’oeuvre consiste ainsi en un vaste corpus que l’artiste interroge en permanence, dont elle reconsidère le sens.
Ainsi ces « Boeing Over » que l’on pourrait aussi nommer « being over », « être au dessus », renouent avec la fonction première de la photographie aérienne, cette technique d’enregistrement d’entités anthropiques et naturelles en constante évolution à la surface de la terre. La série de ces photographies, non exhaustive, est générique. Et l’artiste, sans doute comme le ferait un géographe, peut en isoler certaines, les sérier, les conjuguer en des entités particulières, singulières. De cette façon, certains « Boeing Over » sont devenus « Economics ». Aglaia Konrad a en effet prélevé dans son corpus quelques images aériennes qui toutes touchent à des critères anthropiques, à l’activité humaine, à la transformation du paysage par celle-ci. La densité très construite d’une métropole africaine, la déforestation qui grignote en saignées sinueuses un paysage boisé, les traces laiteuses des pistes qui balafrent le désert, la toile d’araignée que dessine une agglomération et la résille des routes qui y mènent ou les tracés urbanistiques des futures et fantomatiques cités du désert qui agissent comme de curieux « earthworks » : nous reconnaissons ce que nous connaissons, ou nous découvrons ce que nous ne connaissons guère. Les interprétations se font multiples tandis qu’assurément, l’artiste réinvente le monde.
La galerie montrera une série de ces « Economics » à l’occasion d’Art Brussels
Jacques Charlier - Leo Copers - Olivier Foulon -
Pierre Philippe Hofmann - Honoré d'O - Suchan Kinoshita -
Aglaia Konrad - Jacques Lizène - Capitaine Lonchamps -
Emilio Lopez Menchero - Sylvie Macias Diaz - Eran Schaerf -
Walter Swennen - Raphaël Van Lerberghe
vernissage sur invitation jeudi 17 avril
nocturne lundi 21 avril
informarion pratiques sur Artexis.be
Dans le cadre de Art Brussels, Honoré d'O participe également à Ephemeral Fringes, une exposition conçue pour Art Brussels par Filip Luyckx
Ephemeral Fringes
Curated by Filip Luyckx – artistic director Sint-Lukasgalerie, Brussels.
This exhibition project unites the independent positions of widely varying Belgian and international artists. All their individual approaches together fuel the same basic idea and atmosphere. The small-scale interventions are a response to the short duration, the complex structure and the limited space available in the fair. The artists’ contributions provide the fair with a commentary, a complement, a footnote or a marginal note. They are related to the ephemeral, the fringe activities, the interactive and the reflective, and are given the name EPHEMERAL FRINGES.
Depuis 2003, Moritz Kung propose au Singel d’Anvers un programme d’interventions d’artistes plasticiens, ce qu’il nomme des intégrations semi permanentes, artistes qui réfléchissent et réagissent par rapport à l’architecture des bâtiments de ce haut lieu de la culture anversoise dessiné à la fin des années 80 par Léon Stynen. Richard Venlet, Mat Mullican, Pierre Bismuth, Dominique Gonzales-Foerster et d’autres se sont ainsi déjà commis dans les projets qui ponctuent le campus ou les espaces intérieurs des bâtiments. « Curating the Campus », titre de ce programme, devrait se terminer en 2010. Il opère comme la lente mise en place d’une exposition de groupe, comme un contre-pied donc à l’effervescence permanente de ce lieu d’art vivant.
Walter Swennen, à son tour, intervient sur le campus. Et son intervention est parfaitement minimale, subtile en diable. Swennen se contente de lire l’architecture et d’inviter le public à avoir une lecture radicalement différente de trois fenêtres ovales inscrites dans la façade principale du bâtiment. « Les regardeurs font peau de balle », pour reprendre un aphorisme de Swennen. Ici, c’est le regard de l’artiste, et son seul regard même, qui fait le tableau. Et l’on se rappellera cette autre citation : « un peintre, à qui manquent les mains et qui par le chant voudrait exprimer l’image flottant devant lui. », ce que Swennen qualifie de « roman idéaliste ».
À propos de cette façade, faut-il rappeler que dans une belle tradition ensorienne, la tête de mort, que ce soit celle du drapeau pirate comme celles de toutes les Vanités, revient régulièrement dans l’œuvre de Walter Swennen. Ainsi par exemple ce petit dessin sur papier.
Par ailleurs, à l’occasion de la double exposition « how to paint a Horse », qui se déroule à la fois au centre culturel de Strombeek et au « Garage » de Malines, on signalera la sortie d’un livre au titre éponyme. Introduit par Luk Lambrecht et Koen Leemans, il reprend en vignettes plus de trois cents tableaux de l’artiste et se conclut par une fort belle lecture du travail, signée Rudi Fuchs.
On se procurera le livre sur les deux lieux d’exposition.
Fin des années 60 et début des années 70, l’une des pratiques fondamentales de Jacques Charlier consiste à retirer de leur contexte une série de documents professionnels du Service Technique Provincial où il est employé, et plus précisément dessinateur expéditionnaire, afin de les distiller dans le champ artistique, de les y « présenter ». Bien connus sont les documents dit « essentiellement professionnels », cette documentation photographique, réalisée par A. Bertrand, employé au STP. Ce sont des documents destinés à l’élaboration de projets d’amélioration de voirie, d’égouttage, de normalisation de cours d’eau, d’implantation de zonings industriels, etc.… Mais ceux-ci ne sont pas les seuls que Charlier extrait de leur contexte. Il y a également ce qu’il nomme les « documents relationnels relatifs à l’univers professionnel », des documents qui témoignent par exemple d’une mise à la retraite ou d’un voyage en groupe à Anvers, offert par la caisse de solidarité du Service.
On pourrait ranger aux côtés de ceux-ci les « signatures professionnelles », une suite de volumes rassemblant les listes de présence du personnel au bureau (de 8h à 16h45) à partir de février 68 et qu’il présente dans différents contextes artistiques, là où l’on cultive justement la signature, mais celle de l’Artiste, ou encore ces célèbres essuie-plumes, ces morceaux de tissus de différentes dimensions dont la destination première fut d’essuyer les plumes de graphos des dessinateurs du Service.
Jacques Charlier accrochera ces essuie-plumes en rang serré dans diverses expositions, entre autres à la triennale de Bruges en 1974, avec la collaboration d’Yves Gevaert ou, quelques mois plus tard, au musée d’Oxford en collaboration avec Nick Serota.
Au sujet de ces essuie-plumes, acquis depuis par le musée d’art contemporain de Gand, Gilbert Lascault, professeur de philosophie de l’art à la Sorbonne, écrivait ceci en 1983 : « Vers la même époque, Jacques Charlier (qui se définit comme présentateur de documents) présente dans des lieux culturels de Bruges et d’Oxford des loques : les morceaux de tissu de différentes dimensions ayant servi à essuyer les plumes à dessiner. Ce sont des toiles où apparaissent des taches. Elles peuvent évoquer des recherches non-figuratives. Elles peuvent rappeler la volonté de certains artistes actuels à collaborer avec le hasard. Elles sont présentées non encadrées, non tendues, « punaisées sur le mur en un seul point à hauteur des tables de dessin » : rien n’empêche les spécialistes de l’art d’y voir une réflexion (proche d’autres réflexions artistiques) sur les toiles sans châssis… Jacques Charlier ne peut interdire ce type de lecture. Mais lui, il insiste toujours sur l’origine de ces morceaux de tissu : ce sont des loques, à usage professionnel, extraites d’un contexte bien précis, sorti d’un service technique dont la fonction est définie.
Une discussion enregistrée entre employés du S.T.P. accompagne l’exposition des loques. L’un des employés se demande : « Peut-on trouver ça beau si on sait d’où ça vient ? » Il est certain que Jacques Charlier espère que l’insistance sur l’origine de ce qu’il montre en supprime la séduction. Indiquer l’origine des images et objets montrés devraient, selon lui, les « désublimiser ». Mais peut-être se trompe-t-il sur ce point. »
Jacques Charlier extrait donc les loques du STP ; il en fera de même avec l’un de leur inévitable corollaire, usuel en ce genre d’environnement professionnel : les buvards. Ou plutôt, afin d’être précis quant à la destination d’origine de ces objets : « les papiers de protection de table à dessin du STP », qu’il retire de leur contexte en septembre 72. Charlier les découpe en vagues formats A4 et, afin d’affirmer tant leur origine que leur fonction première, y appose une languette de texte frappé à la machine à écrire, une notice identifiant la chose et la date de l’extrait. Cette identification est capitale car, comme les essuie-plumes, ces papiers sont le support des mêmes « recherches non figuratives », des taches, des traits de plume, des ronds de café, des mesures additionnées rapidement griffonnées, quelques notes crayonnées en guise de pense-bête. Tout cela tient du tachisme, de l’écriture automatique, d’une abstraction lyrique contenue, de l’aléatoire, de l’épuisement du motif, du retrait de la figure, bref de papiers à serrer dans un cabinet graphique. Ou alors tout cela tient du labeur quotidien, d’heures et d’heures passées penché sur la table à dessin, le dessin sous-jacent aux tracés de routes et de canalisations. Et dans le fait de Charlier, une pratique à rebours et le contre-pied même de l’appropriation artistique, une mise en doute de la neutralité sociologique de l’objet, une perspective sociale, le contraire même de toute supercherie illusionniste.
On le constatera à la foire de Bruxelles où la galerie montrera quelques uns de ces « papiers de protection de table à dessin » : ceux-ci n’ont rien perdu de leur pertinence et de leur impertinence.
Art Brussels Brussels Expo 18-21 avril Hall 3 booth 3A01
Walter Swennen, How to paint a horse - Centre culturel de Strombeek et Le Garage à Malines, jusqu'au 8 mai
Emilio Lopez-Menchero, Indonésie ! De Bond Brugge, jusqu'au 5 mai
Aglaia Konrad, Le soigneur de gravité, Mac's Grand Hornu, jusqu'au 1 juin
Olivier Foulon, so ist es und anders, museum Abteiberg, Düsseldorf, jusqu'au 5 mai
Orla Barry, Ce curieux pays curieux, Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, jusqu'au 18 mai
Jacques Lizène et Arnaud Labelle-Rojoux, Ne pas jouer avec les choses mortes, Villa Arson, Nice, jusqu' 24 mai
Arnaud Labelle-Rojoux, On va encore manger froid ce soir, Musée d'art moderne de Nice, jusqu'au 8 juin
Produire une exposition sur l'immigration clandestine, la problématique des centres fermés, des demandeurs d'asile et des réfugiés dans une ville telle la cité brugeoise, haut lieu patrimonial et touristique mais qui abrite aussi l'un des six "centres pour illégaux" du pays, 112 places en l'ancienne prison des femmes, décrit par d'anciens détenus qui ont fréquenté divers centres comme celui où les conditions de détention sont les plus dures, n'est évidemment pas innocent. C'est le propos d'Emilio Lopez Menchero dont on verra le projet "Indonésie" en l'espace De Bond, sous les remparts de la ville.
Pour cette exposition organisée en l’espace brugeois « De Bond », Emilio Lopez Menchero a imaginé un nouveau projet, intitulé « Indonésie » et constitué de nouvelles productions. Et Menchero y pointe très directement un certain nombre de contradictions : « Comment peut rimer l’attitude que l’Occident développe en matière de tourisme, d’hospitalité, de libre circulation des biens et des personnes avec les diverses mesures qui concernent l’enfermement et les réfugiés. Vivons-nous décidément dans une Europe forteresse, là où seuls les touristes de passage sont les bienvenus ou la situation est-elle plus complexe que cela ?
L’espace d’exposition est barré par une grande bannière, un dessin nommé « Barrière » (2008). Il représente deux figures sans visages qui scient la poutre d’une barrière en riant. Cette image se réfère à un événement politique de l’histoire européenne récente : le 20 décembre 2007, le Premier ministre slovaque Robert Fico et le chancelier autrichien Alfred Gusenbauer ouvraient les frontières entre la Slovaquie et l’Autriche, un acte symbolique de l’entrée effective de la Slovaquie et de quelques autres pays dans la communauté européenne adhérente au traité de Schengen. Menchero gomme les visages des deux politiciens et investit cette thématique pour bâtir une exposition sur la problématique migratoire tant au cœur de l’Europe unie que du reste du monde. Quelles sont les conséquences de la globalisation ; comment les Etats et leurs populations réagissent face au flux de plus en plus important de réfugiés et de demandeurs d’asile ?
Menchero construit son exposition sur une ligne de force diagonale qui traverse l’espace et sur laquelle se greffe de nouveaux dessins, une vidéo ainsi qu’une grande photographie. L’espace est ainsi rythmé par trois sculptures imposantes. À l’avant-plan de la salle, à gauche, l’artiste accroche un grand nuage (2008) ; au centre, il installe une sculpture de métal aux formes d’une habitation (2008) ; au fond à droite, on reconnaîtra le « Géant M » (2006). Ces trois sculptures sont autant de signaux forts très aisément identifiables. Ce que nous voyons du dehors, très avenant, s’ancre en fait au creux d’un contenu, d’un espace interne, bien plus menaçant. Le nuage est un assemblage de coussins tout blancs, l’élégante façade au pignon en escalier et le géant débonnaire sont les signes d’une culture touristique parfaitement accueillante. Menchero stygmatise le façadisme d’une certaine architecture hôtelière et les indispensables curiosités folkloriques, pôles attractifs et points d’ancrage de la consommation artistique et culturelle contemporaine. Mais ceci est un univers sous tension. De façon très physique, le visiteur pourra pénétrer le principe de chacune de ces œuvres, elles fonctionnent très symboliquement comme autant d’espace d’enfermement, d’emprisonnement, de volontaire privation de liberté. Par une ouverture pratiquée au bas du nuage, le visiteur peut ramper à l’intérieur de la sculpture ; il y découvrira le célèbre numéro de cabaret « Willkommen – Bienvenue », mais ressentira autant le destin tragique de Sémira Adamu que les effets d’une cure de bien-être ou du confort des chambres à coucher « tendances » de tous les citytrips. La maison, quant à elle, est constituée des grillages d’un camp de concentration, équipée de ses typiques haut-parleurs scandant les nationalités des prisonniers. La figure anonyme du Géant M, enfin, rappelle celle, fort importante pour Menchero, de l’architecte allemand Neufert (1900-1986), auteur du célèbre « Bauentwurfslehre ». Neufert y approche la maison et son utilisation sur le principe de règles rationnelles et de manière fonctionnelle, y mesurant toutes dimensions idéales. L’architecte régulera sa pensée dans un système extrêmement réglementé, mais où l’efficacité et la normalisation peuvent aussi mener à la neutralisation, à l’anonymat, à la perte d’identité. Un aspect qui préoccupe régulièrement Menchero et auquel il est réfractaire.
In zaal De Bond, presenteert Emilio Lopêz-Menchero (*Mol, 1960) zijn recentste project ‘Indonésie’ met een reeks creaties.
In ‘Indonésie’ legt Menchero een aantal, op het eerste gezicht, tegenstrijdigheden bloot.
Hoe kan men de westerse houding rond toerisme en gastvrijheid of het vrije verkeer van mensen en goederen, rijmen met de beperkende maatregelen rond inwijkelingen en vluchtelingen?
Leven we steeds meer in een Fort Europa, waar enkel tijdelijke toeristen of de happy few welkom zijn, of zit de realiteit complexer in elkaar?
De tentoonstellingszaal van De Bond wordt beheerst door een groot spandoek met daarop de tekening ‘Barrière( 2008). Op de tekening zien we twee gezichtsloze figuren die lachend een balk doorzagen. Dit beeld verwijst naar een politieke gebeurtenis uit de recente Europese geschiedenis.
Op 20 december 2007 snijden de Slowaakse Eerste minister Robert Fico en de Oostenrijkse Kanselier Alfred Gusenbauer,de scheidingsbareel tussen Slowakije en Oostenrijk door. Deze daad betekende de effectieve toetreding van Slowakije en een rits andere landen tot de Europese Schengen gemeenschap in 2007.
Menchero gomt de gezichten van beide politici weg, en neemt dit gegeven aan om een tentoonstelling over het actuele thema van de migratieproblematiek in een verenigd Europa én in de rest van de wereld op te zetten. Wat zijn de gevolgen van de globalisering en hoe gaan staten en haar inwoners om met de steeds groter wordende instroom van vluchtelingen, asielzoekers, etc. ?
Menchero bouwt zijn expositie op rond een sterke diagonale presentatie. Een krachtlijn waarrond hij zijn verhaal verder bouwt met een reeks nieuwe tekeningen, een video en grote foto.
De zaal wordt evenwel geritmeerd door drie indrukwekkende sculpturen.
Vooraan links hangt hij een grote wolk(2008), in het midden zien we een metalen sculptuur in de vorm van een woning(2008), achteraan rechts ten slotte ontwaren we de reus ‘Géant M’(2006). Deze drie sculpturen hebben elk een herkenbare vorm, met sterke signaalfunctie. Opvallend hierbij is dat hun uitwendige toegankelijke gestalt haaks lijkt te staan op de dreigende interne vorm. De uit witte kussens opgebouwde wolk, de ranke trapgevel als de gemoedelijke reus passen perfect in een gastvrije bezoekerscultuur. Menchero verwijst naar de wereld van uitnodigende hotels, betoverende gevelarchitectuur of folkloristische bezienswaardigheden, noodzakelijke ankerpunten en attractiepolen voor de contemporaine kunst en cultuurconsument. Maar dit is een universum onder spanning.
Zowel fysiek, de bezoeker kan in principe elk werk betreden, als symbolisch draaien de drie sculpturen rond vormen van opsluiting, gevangen nemen of gevangen zitten, zelfs vrijheidsbeneming. De bezoeker kan via een opening onderaan de wolk, in de sculptuur kruipen en daar het befaamde Cabaretnummer ‘Wilkommen-Bienvenue’ opvangen. Maar binnenin brengt het versmachtende gevoel ons dichter bij de tragische lotgevallen van Semira Adamu dan bij een wellness kuur of een trendy slaapplaats verbonden aan een citytrip. Staand in de woning bevinden we ons op het ochtendappel, het lijkt op een concentratiekamp met typische luidsprekers waar de nationaliteiten van de gevangenen worden geschald. In de gezichtsloze reus ‘Géant M’ ten slotte, speelt Menchero met de figuur van de voor hem belangrijke Duitse architect Ernst Neufert(1900-1986) en zijn beroemd boek ‘Bauentwurfslehre’. Neufert benaderde een gebouw en haar gebruik op een uitermate rationele en functionalistische manier, waarbij alle denkbare ideale afmetingen bedacht werden. Hij vertaalde dit naar een strak regelsysteem, maar deze hang naar efficiëntie en de daar uit voorvloeiende standaardisatie, kan ook leiden naar neutralisatie, anonimiteit en verlies aan identiteit. Een aspect waar Menchero regelmatig tegen reageert en het tegelijk bestendigt.
